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Posts Tagged ‘Hollywood’

Siguiendo la idea de Ángel de explicar los papeles de los distintos cargos o funciones que ocupan determinadas personas para la elaboración de una película, en este post me gustaría destacar el papel del GUIONISTA. La definición de este trabajo es en un principio bastante sencilla: el guionista es la persona encargada de elaborar el guión de la película, narra la historia puesta en boca de los personajes. Pero, el trabajo es mucho más complicado e implica que el guionista tenga unas facultades y capacidades determinadas. El guión es importante, dan premios a “mejores guiones” de las películas y además, el que lo elabora contribuye indirectamente en los beneficios económicos que se conseguirán con la producción.

No se puede decir que haya unas pautas universales para crear un guión. De hecho, casi siempre es según las preferencias del director. Se me viene a la mente la película “2001: odisea en el espacio”, una producción destacable y que carece de un guión extenso. De hecho, creo que durante la hora y media, dos horas que tiene de duración, más o menos, el total de tiempo en el que los personajes hablan es de veinte minutos.

 

 

En la elaboración del guión, el guionista debe pensar siempre que el texto que escribe será filmado. El guión lo tiene que fusionar con las imágenes y el sonido que formarán la película. Es una parte fundamental del film, pero no es la película. Además, de estar condicionado a la producción, el guión debe estar pensado para un público como consumidor. Así, el guión debe atraer la atención del consumidor con diálogos de tensión y de intriga. En general, el guionista tiene que diferenciarse del novelista, tener en cuenta los demás elementos en la elaboración de una película.

Si he querido destacar el papel del guionista mediante este post es porque, como he dicho al principio, contribuye a los beneficios de la producción y, aunque el guión no sea la película, sin él, no habría producciones.

 

huelga guionistas

A finales del 2007 los guionistas de Hollywood hicieron huelga por considerar que no cobraban lo que se merecían. 12.000 guionistas afiliados al sindicato de guionistas de cine y televisión en Estados Unidos (WGA) paralizaron la producción de películas en esta fecha. Esta huelga afectó a la programación de Norteamérica, todas las series estadounidenses de actualidad cuentan con una de sus temporadas con escasos capítulos debido a la huelga. El cine, al contrario, no afectó demasiado, ya que en dicha fecha contaban con guiones perfectamente terminados para hacer frente a la huelga. En noviembre del 2007, el cine de Hollywood recordó y temió lo que ocurrió en 1988, la huelga que duró 22 semanas y que hizo que la industria del cine perdiera más de 500 millones de dólares.

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“En Hollywood te pueden pagar 1.000 dólares por un beso, pero sólo 50 centavos por tu alma.”
Marilyn Monroe (1926-1962), actriz estadounidense

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Lars Von Trier, director de cine Dogma95 más conocido

Lars Von Trier, director de cine Dogma95 más conocido

 

Desde que comenzamos este blog hemos hecho referencia a muchos tipos de producciones. Desde las conocidas, comerciales películas de Hollywood protagonizadas por los actores más glamorosos, películas de cine Indio de Bollywood, producciones españolas, cine independiente, cine mudo… cada uno de estos tipos tiene su especial y caracterizada forma de producir películas que consigan el interés del público y conseguir así, como ya hemos repetido infinidad de veces, un beneficio económico.

Ahora, me gustaría destacar otro tipo de cine, aún menos conocido por la sociedad. Éste es el CINE DOGMA 95, considerado como un movimiento fílmico desarrollado en 1995 por directores daneses. La característica fundamental de las películas que se encuadran en este cine es la ausencia de una post-producción muy elaborada. Sus producciones ponen el énfasis en el desarrollo dramático.

Lars Von Trier, Thomas Vinterberg y Soren Kragh-Jacobsen son los tres directores de cine que crearon este movimiento mediante la difusión de un documento en el que planteaban la necesidad que un cambio del cine actual. Entre ellos, implantaron una seria de reglas que los directores tenían que cumplir a la hora de la producción de las películas si deseaban que se calificaran como cine Dogma. Con estas normas buscaban realizar un cine más realista, buscar la verdad profunda. Estas normas fueron denominadas como el voto de castidad que, en palabras textuales, dice así:

“Juro que me someteré a las reglas siguientes, establecidas y confirmadas por:

  1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
  2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
  3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
  4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
  5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
  6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
  7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
  8. Las películas de género no son válidas.
  9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
  10. El director no debe aparecer en los créditos.

 ¡Además, juro que como director me abstendré de todo gusto personal! Ya no soy un artista. Juro que me abstendré de crear una obra, porque considero que el instante es mucho más importante que la totalidad. Mi fin supremo será hacer que la verdad salga de mis personajes y del cuadro de la acción. Juro hacer esto por todos los medios posibles y al precio del buen gusto y de todo tipo de consideraciones estéticas.

Así pronuncio mi voto de castidad.

Copenhague, Lunes 12 de marzo de 1995.

En nombre de Dogme 95,

Lars von TrierThomas Vinterberg

 

Como se puede observar en el voto de castidad, las producciones de esta corriente fílmica son bastantes sencillas. Luchan, sobre todo, contra las tendencias actuales del cine de la supremacía de las nuevas tecnologías por encima de la calidad de la obra, luchan contra la comercialización. Las películas de Dogma 95 no son muy conocidas, pero un ejemplo es El proyecto de la bruja de Blair, que no pudo ser calificada dentro de este movimiento por no cumplir la regla 8, por ser una película de género, más concretamente de terror. Aunque esta película no se encuentra dentro de este movimiento, se acerca mucho y se utiliza con frecuencia para explicar en qué consiste este cine.

 

 

Por suerte, aunque Hollywood siga teniendo el monopolio de las producciones, podemos disfrutar del cine desde otras alternativas, que a pesar de no ser muy conocidas, están ahí y no por tener menos dinero para publicitarlas significa que las producciones sean de peor calidad.

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Llevamos muchos post dedicados a productores, Hollywood, festivales, cine en general… pero ¿qué hay del cine español como industria? Creo que no hemos hecho suficiente alusión a la producción cinematográfica autóctona.

No podemos hablar de industria del cine español sin hacer un breve paréntesis para ver un poco lo que es una “industria“. Pues, simple y llanamente, un conjunto de sectores que ayudan a la generación de un producto -llámese película- que puede ser comercializado en un mercado (o varios: cinematográfico, televisivo, etc.). Estos sectores que en conjunto forman la industria del cine son, básicamente, la producción, distribución y exhibición, de los que llevamos tiempo hablando. No obstante, hay que apuntar que estos tres sectores no se sostendrían si no fuese por todo un conjunto de empresas técnicas auxiliares sin las cuales no podría sobrevivir la industria del cine. Y es que el cine, como casi toda empresa de la índole que sea, siempre necesita de otras empresas, de otros sectores, para salir adelante.

Ya tenemos la base, ahora necesitamos los “resultados”. ¿Que porqué resultados lo escribo entre comillas? Porque es más apropiado llamarlos “efectos secundarios” que resultados o beneficios lo que genera el cine español.

Un ejemplo:

Señores, ¿oyeron hablar de que se estaba haciendo la película de Manolete? ¿La han visto? ¿Recuerdan haber comido palomitas mientras comentaban la prominente nariz de Adrien Brody? ¿No verdad? Si es que no se ha llegado a estrenar. Más de 20 millones de euros tirados a la basura. Y se hizo en 2006. Por lo visto a los americanos eso de que salga un toro sangrando no le hace gracia. De acuerdo. Pero, ¿qué pasa que no existe nadie más  allá de los americanos? Más de lo mismo.

En realidad, se parece a Manolete

En realidad, se parece a Manolete

Según el Observatorio del Cine Europeo, de las 173 películas de facturación española, 43 no llegaron a proyectarse. Por allá en el 2003 se hablaba de crisis del cine español, y parece ser que la cosa no ha cambiado mucho: en 2008 nuestras pantallas contaron con 9 millones (¡NUEVE MILLONES!) de espectadores menos que en 2007.

Un servidor piensa igual que David Trueba, el director de Two much. Si la industria cinematográfica dependiese del Ministerio de Industria y no del de Cultura, y se le tratase como a las televisiones (a las que ahora se les ha permitido fusionarse) o la telefonía, la cosa cambiaría bastante. Ya se sabe que en este país no se trata igual a la empresa que a la cultura.

Algo está fallando en España en cuanto al cine, y más vale que se arregle pronto porque entre Hollywood, Bollywood y Nollywood (de Nigeria, el segundo país que más films produce, después de la India y por encima de EE.UU.) España se está quedando en la cola poco a poco.

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Ha pasado mucho tiempo desde que inauguramos labutacaempresarial y todabía no hemos hablado de los orígenes de las productoras de cine…Esto no va bien. Dediquemos una breve entrada a este menester, ¿no les parece? (Conste que no me inveto lo que que aquí aparece. Un señor muy sábio llamado José Luis Sánchez ya lo hizo en Historia del Cine).

Hollywood (donde están los mandaos)

Hollywood (donde están "los mandaos")

El origen de todo lo que hay detrás de las cámaras está en Ford, el constrcutor de coches ¿cómo? Lo que leen. Hace muchos, muchos años (no tantos, porque fue en 1913) un tal Thomas H. Ince, creó unos estudios llamados Inceville. Fue un pionero al aplicar a la empresa cinematográfica el sistema de organización empresarial que puso en la práctica de la industria automovilista Henry Ford, generando lo que se llamo sistema de estudios.

El estudio está encabezado por una “jerarquía brifronte” compuesta por una cabeza directiva que desde Nueva York toma las decisiones de producción, establece presupuestos y organiza la postproducción (distribución y exhibición de la película) – estos son los que manejan el cotarro-. Y por otro lado,  los encargados en Hollywood, encargados de ejecutar las directrices dictadas por la cúpula neoyorkina – es decir, “los mandaos”-. Ellos son los encargados de rodar el film con todo el equipo de producción especializados en las diversas materias del cine (fotografía, dirección artística…) . Lo haran en estudios paralelamente a otros equipos. A poder ser siempre repitiendo la fórmula del éxito (si un actor produce taquilla, ¡desgástalo!). El actor es el capital de la empresa cinematográfico (un tal Zukor llegó a clasificar las películas en A, B y C según el sueldo que recibía el actor y su fama). Por ese motivo, se hacen contratos durante años con actores, prometiéndoles salarios fijos y un porcentaje de las películas que ruede. Vamos, un empleado cualquiera…

Para vender la película hay dos modalidades: Por lotes, es decir, te vendo esta más esta otra (es el mejor modo de colar un bodrio) o la compra a ciegas (muy similar a dejarle la tarjeta de crédito a tu hija.Nunca sabes con que volverá…) que consiste en comprar todo lo que haya hecho la productora, sin tener ni idea de su éxito o rentabilidad. En la actualidad, los estudios han aprendido la lección y tienen su propia red de distribución. O lo que es lo mismo, se aseguran ingresos.

Y así funcionan hasta hoy los estudios de cine.


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A pesar de haber relacionado hasta ahora todos los comentarios sobre cine con la empresa, los beneficios, el éxito… se puede hablar de producciones que no persiguen estos objetivos, se trata del cine independiente. Es difícil dar una definición de este tipo de producciones pues influyen muchos factores para catalogar a una película de independiente. Parece que identificamos los filmes independiente cuando no aparecen actores conocimos, pero realmente no es así. La gran diferencia con el resto del cine es su comercialización, mejor dicho, su no comercialización, la escasez de conocimiento sobre este tipo de producciones excepto las personas que las buscan y saben valorar la calidad de éstas.  Lo que define realmente a una película independiente es la temática de la historia audiovisual, una temática difícil y arriesgada. La producción es barata, los costes suelen rondar los 10 millones de dólares. La forma de filmar también define al cine independiente utilizando el teleobjetivo que permite mostrar al máximo las emociones del personaje. Como se puede comprobar no hay una definición clara y exclusiva de lo que significa cine independiente, no obstante se pueden enumerar diferentes características:

 En primer lugar la situaciones en las que se encuentran los personajes, que como ya he dicho anteriormente son temáticas difíciles y extremas. Cuentan historias que nunca se atreverían a contar los grandes productores de Hollywood como sobre obsesos sexuales o pederastas.

 En cuanto a los actores, no suelen resaltar a uno en concreto siendo el protagonista principal de la película, sino que buscan una homogeneidad entre los distintos personajes. Todos los personajes tienen una historia que contar sin que uno sobresalga y el otro se quede como un rol secundario.

 La diferencia en el presupuesto es abismal. Una producción independiente no llega a los 10 millones de dólares y una película producida en un estudio ronda los 25 millones. Esto no significa que la calidad de este tipo de cine sea peor que el cine comercial, ya que no necesita tanta nueva tecnología al no incluir en sus películas la gran cantidad de efectos especiales que aparecen en las grandes producciones.

 Los escenarios suelen ser interiores, la finalidad de estas películas es llegar a un público amplio, pero selecto, que sepa apreciar lo que esta observando. Son películas progresistas en contra del sistema establecido y que incluyen también una música independiente como banda sonora.

 Un dato curioso sobre Notting Hill, una de las películas más vistas y conocidas mundialmente, es que se dice que en el comienzo de la película se la puede considerar como cine independiente, pero que a medida que va avanzando la historia “pastelosilla” se va convirtiendo en comercial.

 

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“Al cine lo matará el dinero”

René Clair (1927)

La frase de René Clair, cineasta y escritor francés es el reflejo de la situación del cine hoy, la verdad del mañana. Las muestras son evidentes el dinero está ahogando a las películas. Hace semanas que recorro los pasillos de mi multicine habitual y no encuentro nada interesante que ver en las carteleras. Unos pasillos que cada vez tienen a más gente en los restaurantes vecinos y menos en las butacas de las salas. ¿La razón? Las apuestas han desaparecido de las productoras y las exhibidoras no están para arriesgas. Las cadenas de televisón no apoyan las producciones cinematográficas y muchos films se están quedando en la estacada.

La santísima trinidad de cine (léase productoras, exhibidoras y distribuidoras) han decidido que no mueve la pluma si no es a cambio de éxito asegurado. Ya lo dijo mi compañero Ángel en Una infancia machacada, y de bodrios están llena la pantalla.  Esto desvela la gran problemática del cine, la falta de independencia, de capacidad para generar cine cuando una historia merece la pena ser contada. Pero en el mundo de los negocios, el beneficio económico manda. El dinero da razones que que los sentimientos no pueden entender. Se llama rentabilidad. Invierto y recupero con intereses lo invertido. Algo que últimamente no pasa.

No hay solución fija para esto. Si la supiera me haría rica. Pero creo que lanzarse a la piscina no es mala idea. Una película no tiene porque gozar de una producción excelente (aunque sería lo mejor). Son muchas las personas que hacen documentales y películas con menos que una piedra, e incluyo en el grupo a algunos estudiantes de Periodismo. Imaginen en un mercado con el estadounidense. Si le sumamos los millones de habitantes que pueblan el país y reducimos la cantidad por veinte (que serían los que algún día visitarían las salas) y ese veinte restáramos un 13% seguiríamos teniendo un público potencial de millones de personas. ¿Por qué? Porque en EE. UU. hay 307 millones de personas, un 4, 2% de la población mundial. Así si los coste de explotación y distribución disminuyeran podrían ser utilizados para otros fines, quizás con mayores posibilidades de triunfo: “una mejor producción, o mejor promoción o, en el ahorro, obtener mejores resultado” dice en “El dinero contra el cine” Ramiro Gómez (pág. 141)

El problema es que lo estético, lo bello el mejor cine se ha quedado en la estacada. Me quedaré con está frase de Nativel Preciado en una entrevista con Elías Qerejeta (1992) para que es el corolario de todo lo dicho:  “…hay que gastar siempre lo suficiente. Hay que esfrozarse en conseguir que lo económico no interfiera en lo estético. El dinero, como otras muchas cosas, no debe notarse en la pantalla. La austeridad y el trabajo bien hecho se me aparecen como virtudes que son imprescindibles para recuperar”.

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