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Archive for the ‘Fábricas de dinero’ Category

Estos dos canales temáticos ocuparán esta entrada. Será una de las últimas veces en labutacaempresarial que nos dirigimos a nuestros lectores como alumnos de Empresa Informativa. Quiero decir, que se acaba el curso y toca examinarnos de la asignatura, así que este blog, como ejercicio académico, llega a su fin, ya informaremos de una posible reapertura.

Cinemanía

Cinemanía

Pues bien, por si alguién no sabe qué es Documanía o Cinemanía les explico que son dos canales temáticos de producción española dedicados, como no, al Cine. Lo especial de éstos es su historia: su lanzamiento suponía un verdadero hito en el panorama televisivo del momento, allá por 1993.  Con ello se ampliaba la oferta de ocio televisivo que se producía en España, hasta entonces integrada por las televisiones públicas y unas jóvenes cadenas privadas. Así, el 1 de marzo de aquel año, Cinemanía y Documanía se convertían en los dos primeros canales de televisión por satélite en lengua castellana, dirigidos a la audiencia española.

Aquellas emisiones eran promovidas por Sogecable, y gracias a la cuales se introdujo en España un nuevo concepto de Televisión: la televisión temática.

Con el tiempo, fueron surgiendo nuevos canales temáticos como Cineclassics (cine clásico), Minimax (infantil) y Sportmanía (deportes), sostenidos por CanalSatélite, pero los que mejor adaptación y más respuesta recibieron por los espectadores (traducida en número de socios del paquete de televisión) fueron Cinemanía y Documanía. Con una programación totalmente compuesta de temática sobre cine y documental,  pronto se convirtieron en los canales con mayor notoriedad de marca dentro de sus respectivos grupos temáticos.

Actualmente ambos canales se distribuyen a través de Canal Satélite Digital y de las principales redes de cable, y cuentan con más de 1.498.000 abonados en el caso de Documanía y 323.000 en el de Cinemanía, lo que supone una audiencia potencial de más de 5.240.000 y de 1.150.800, respectivamente.

Estos canales son una muestra más del tirón tan fuerte que tienen estos temas en el público. El cine sigue estando vigente y no aparenta que vaya a extinguirse. Pese a modificaciones sobre el formato de las que hablaba Lucía en un anterior post, el cine, con su capacidad comunicativa, sigue siendo una herramienta muy importante a la hora de transmitir información.

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Siguiendo la idea de Ángel de explicar los papeles de los distintos cargos o funciones que ocupan determinadas personas para la elaboración de una película, en este post me gustaría destacar el papel del GUIONISTA. La definición de este trabajo es en un principio bastante sencilla: el guionista es la persona encargada de elaborar el guión de la película, narra la historia puesta en boca de los personajes. Pero, el trabajo es mucho más complicado e implica que el guionista tenga unas facultades y capacidades determinadas. El guión es importante, dan premios a “mejores guiones” de las películas y además, el que lo elabora contribuye indirectamente en los beneficios económicos que se conseguirán con la producción.

No se puede decir que haya unas pautas universales para crear un guión. De hecho, casi siempre es según las preferencias del director. Se me viene a la mente la película “2001: odisea en el espacio”, una producción destacable y que carece de un guión extenso. De hecho, creo que durante la hora y media, dos horas que tiene de duración, más o menos, el total de tiempo en el que los personajes hablan es de veinte minutos.

 

 

En la elaboración del guión, el guionista debe pensar siempre que el texto que escribe será filmado. El guión lo tiene que fusionar con las imágenes y el sonido que formarán la película. Es una parte fundamental del film, pero no es la película. Además, de estar condicionado a la producción, el guión debe estar pensado para un público como consumidor. Así, el guión debe atraer la atención del consumidor con diálogos de tensión y de intriga. En general, el guionista tiene que diferenciarse del novelista, tener en cuenta los demás elementos en la elaboración de una película.

Si he querido destacar el papel del guionista mediante este post es porque, como he dicho al principio, contribuye a los beneficios de la producción y, aunque el guión no sea la película, sin él, no habría producciones.

 

huelga guionistas

A finales del 2007 los guionistas de Hollywood hicieron huelga por considerar que no cobraban lo que se merecían. 12.000 guionistas afiliados al sindicato de guionistas de cine y televisión en Estados Unidos (WGA) paralizaron la producción de películas en esta fecha. Esta huelga afectó a la programación de Norteamérica, todas las series estadounidenses de actualidad cuentan con una de sus temporadas con escasos capítulos debido a la huelga. El cine, al contrario, no afectó demasiado, ya que en dicha fecha contaban con guiones perfectamente terminados para hacer frente a la huelga. En noviembre del 2007, el cine de Hollywood recordó y temió lo que ocurrió en 1988, la huelga que duró 22 semanas y que hizo que la industria del cine perdiera más de 500 millones de dólares.

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¿Os habéis dado cuenta? Todo comenzó con el Código Da Vinci, ahora su secuela Ángeles y demonios sataniza las salas y dentro de poco se adezará con Ágora (la última película de Alejandro Amenávar – que por si alguien lo duda es mi director español favorito). Películas que han generado, están generando y apuesto que generarán una considerable venta de entradas, pero que hablan desfavorablemente en contra del cristianismo.

Fotografía del rodaje de la película Ágora

Fotografía del rodaje de la película Ágora

C´est le mode. No sabemos porque. Hace cinco años triunfaban los superhéroes (Electra, X- Men, Superman, las tres entregas de Spiderman), antes de eso hubo un ciclo de musicales (Chicago, Moulain Rouge). Quizá como dice Ángel no podamos hablar de un cine cíclico como la economía, pero sí temático. Cuando un tema escala a la cima, es el único capaz de vender. Esta semana labutacaempresarial pasó por el cine, con la impunidad de no saber que film elegir, acabé viendo el viernes el taquillazo infantil de Hanna Montana, bastante asequible, aderezado con música pop…siguiendo la moda Disney de High School Musical, y sobre todo el cántico de media sala de adolescentes que parecían estar en un concierto. El día siguiente: La sombra del poder, un thriller bastante previsible, que me dejo frita antes de los cast. Lo siento, se sabe quien es el asesino desde el tercer frame…

Así que ahora mismo para triunfar hace falta hablar de religión. ¿Por qué? Durante la época de crisis la gente se aferra más a sus creencias, es un dato estadístico, el número de personas que acuden a la iglesia o demuestra públicamente su fe es mayor en estos tiempos…Por eso ahora está de moda hablar de eso de la religión y se hacen pelís del tema. Hay que vender hasta el crucifijo que estamos en época de crisis…

Mientras me quedo con una frase de cine de Pactar con el diablo: “Te dire algo sobre Dios: es el peor casero del mundo”.
Al Pacino (Pactar con el diablo)

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Llevamos muchos post dedicados a productores, Hollywood, festivales, cine en general… pero ¿qué hay del cine español como industria? Creo que no hemos hecho suficiente alusión a la producción cinematográfica autóctona.

No podemos hablar de industria del cine español sin hacer un breve paréntesis para ver un poco lo que es una “industria“. Pues, simple y llanamente, un conjunto de sectores que ayudan a la generación de un producto -llámese película- que puede ser comercializado en un mercado (o varios: cinematográfico, televisivo, etc.). Estos sectores que en conjunto forman la industria del cine son, básicamente, la producción, distribución y exhibición, de los que llevamos tiempo hablando. No obstante, hay que apuntar que estos tres sectores no se sostendrían si no fuese por todo un conjunto de empresas técnicas auxiliares sin las cuales no podría sobrevivir la industria del cine. Y es que el cine, como casi toda empresa de la índole que sea, siempre necesita de otras empresas, de otros sectores, para salir adelante.

Ya tenemos la base, ahora necesitamos los “resultados”. ¿Que porqué resultados lo escribo entre comillas? Porque es más apropiado llamarlos “efectos secundarios” que resultados o beneficios lo que genera el cine español.

Un ejemplo:

Señores, ¿oyeron hablar de que se estaba haciendo la película de Manolete? ¿La han visto? ¿Recuerdan haber comido palomitas mientras comentaban la prominente nariz de Adrien Brody? ¿No verdad? Si es que no se ha llegado a estrenar. Más de 20 millones de euros tirados a la basura. Y se hizo en 2006. Por lo visto a los americanos eso de que salga un toro sangrando no le hace gracia. De acuerdo. Pero, ¿qué pasa que no existe nadie más  allá de los americanos? Más de lo mismo.

En realidad, se parece a Manolete

En realidad, se parece a Manolete

Según el Observatorio del Cine Europeo, de las 173 películas de facturación española, 43 no llegaron a proyectarse. Por allá en el 2003 se hablaba de crisis del cine español, y parece ser que la cosa no ha cambiado mucho: en 2008 nuestras pantallas contaron con 9 millones (¡NUEVE MILLONES!) de espectadores menos que en 2007.

Un servidor piensa igual que David Trueba, el director de Two much. Si la industria cinematográfica dependiese del Ministerio de Industria y no del de Cultura, y se le tratase como a las televisiones (a las que ahora se les ha permitido fusionarse) o la telefonía, la cosa cambiaría bastante. Ya se sabe que en este país no se trata igual a la empresa que a la cultura.

Algo está fallando en España en cuanto al cine, y más vale que se arregle pronto porque entre Hollywood, Bollywood y Nollywood (de Nigeria, el segundo país que más films produce, después de la India y por encima de EE.UU.) España se está quedando en la cola poco a poco.

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¿Cuántos de nosotros no nos hemos dejado influir por un rumor? En el cine la rumorología es una ciencia, muy sábia porque hace mucha caja… Según esos ecos, que nadie cree pero que por si las moscas nadie niega, Walt Disney está enterrado (congelado) en los sótanos subterráneos y secretos de su parque temático en Florida, (listo para resucirtar) Elvis no está muerto, en la película Tres solteros y un biberón hay una aparición fantasma y existen las películas malditas, como Poltergeist o El exorcista, que han generado un regero de muertes. Es como la maldición de Gran Hermano española, pero a lo grande (como todo lo que hacen los americanos).

Aquí os dejo el vídeo de Tres solteros y un biberón (a mí me da miedito y no sé en que minuto está…) parace ser que el niño donde se rodó la película se suicidó disparándose con una escopeta. Personaje y arma que aparecen en citado fotograma. He aquí la prueba:

Sin lugar a dudas, el cine satánico, por llamarlo de algún modo, obtuvo su culmen con El Exorcista, si la mitolofía tuviera una cima, esta película sería su tótem y el director del film su Dios. Nueve meses se convirtieron en un calvario para el equipo de rodaje y el reparto de actores de la película.  Los accidentes que se desencadenaron no paraban, el actor Marx Von Sydow, nada más aterrizar para iniciar el rodaje recibió la noticia de que su hermano había muerto inesperadamente, duarante el rodaje él mismo enfermó. Jack MacGoowran, también actor, que muere a manos del “demonio”, muere de una extraña gripe tras el rodaje de sus escenas. Y eso no es todo: los rollos de la película aparecieron velados sin explicación y el equipo técnico sufrió graves e inexplicables accidentes. El hijo Jason Miller, que interpreta a uno de los Padres sufrió un accidente extraño atropellado en una playa desértica, la niña poseida recibió la noticia de que su abuelo había muerto inexplicablemente , el guarda de uno de los platós fue asesinado…Tantos fueron los incidentes que el mismo director Friedkin tuvo que llamar a un sacerdote para que exortizara las instalaciones donde se realizaba el rodaje para mayor tranquilidad del equipo técnico y el reparto, que por cierto fueron bendecidos.

Sin embargo la mitad de las cosas que se dicen sobre la película corresponde a un bulo. Probablemente con un objetivo, que nos reúne para la ocasión, ¡VENDER ENTRADAS! ¿Lo dudábais? O quizá todo fuera verdad…Nunca se sabe…

¿Casualidad? El hecho es que después del bautismo del jesuita no volvió a suceder ningún incidente.  Aunque como cuenta Iker Jiménez en su libro Cine y Música malditos (ediciones edaf, 2004) el demonio quisó la rebancha y quemó la residencia de la orden jesuita donde residía el sacerdote. Todo para volver a las andadas durante la postproducción ¿Hasta donde está la verdad de todo esto? El hecho es que la película se estreno en el 73 y la expectación que había generado el rumor y “la maldición” ocupó hasta la última butaca de cine. La gente vomitaba y se desmayaba durante la película sucumbidos por el hechizo mágico del demonio, tanto que los acomodadores se quejaban de los efectos de la película en los espectadores, como si el belcebú tuviera la culpa. Según este mismo libro se llegaron a producir infartos, muertes y abortos.

Esto sí que es terror y no lo que hacen ahora…Nueva lección de cine, si van a hacer una película de terror, vendan antes todos los desastres posibles. A mí mientras escribía esta entrada se me murió el gato y me partí una uña en el teclado, véamos cuantas entradas genero…

PD: La película de Tres solteros y un biberón se rodó en un plató de televisión y parece ser que el fantasma de la escopeta no era más que un cartón de una campaña publicitaría. Todo podría corresponderse con una campaña publicitaría para promocionar la película o quizás si hubiera un fantasmita.

PD1: Si queréis más el libro de Iker está genial y cuenta muchas curiosidades.

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La información sobre cine nos llega desde muchos medios de comunicación que al fin y al cabo son empresas. Compañías que buscan unos beneficios y que, en bastantes ocasiones, ven cubierto su objetivo ofreciendo programas dedicados al cine. En radio y televisión, además de incluir en algunos programas espacios en los que se debate sobre el cine, cuentan con programas especializados en la producción cinematográfica. Hay revistas de cine, periódicos que incluyen a diario la cartelera de las taquillas, y suplementos de prensa (Babelia, suplemento semanal de El País, que más de uno lo conocerá bastante) que ofrecen también informaciones para que la sociedad conozca el mundo del cine. Pero la producción de estos programas requiere un esfuerzo, una recogida de datos, en definitiva, el trabajo de los periodistas dedicados a divulgar las creaciones cinematográficas.

Por lo general, las empresas informativas no cuentan con un centro de documentación específico sobre cine. Por ello, suelen acudir a la documentación RTVE (Radio Televisión Española) para conseguir la información que necesitan para la elaboración de sus programas. No obstante, dependiendo del tipo de cine que se trate en el programa la recogida de datos y documentación será variable. Por ejemplo, si uno se dedica al análisis de las nuevas producciones, la información la podrá recoger de los mismos creadores o de las distribuidoras. En cambio, otro dedicado al cine más antiguo, tendrá que necesitar con mayor frecuencia los archivos y los centros de documentación.

Según la obra realizada por Luis Cano y Juan Pol, “La Documentación de los Programas de Cine en Televisión”, el proceso de documentación para elaborar dichos programas se desarrolla, fundamentalmente, mediante dos fases:

  1. Recepción, búsqueda y selección de la información. Trabajo realizado por el equipo de producción, que prepararán la información para ser tratada posteriormente.
  2. Tratamiento de la información. De este paso se ocuparán el equipo de redacción, que clasificarán la información en función de la estructura del programa específico de cine.

En principio, se podría hacer una clasificación de los programas de cine en televisión entre los que se dedican a las películas actuales como el conocido programa “Cartelera”, y los que intentan que el cine de hace unas décadas no quede en un segundo plano por la imposición de las nuevas tendencias cinematográficas, como “Versión Española”, dedicado específicamente a las películas españolas producidas en los años 60 más o menos. Pero hay más programas que traten el tema, como el caso de “Días de Cine” dedicado específicamente a la crítica y a analizar los festivales de cine. “Estamos rodando” es otro programa que ofrece los making off de las nuevas películas.

RNE (Radio Nacional de España) cuenta también con varios programas de cine para que los aficionados a la radio puedan estar al día sobre las producciones, ofrecen críticas cinematográficas, analizan las producciones… éstos programas son “De película”, “De Cine”, “Cinésporas” y “En Escena”.

Y en revistas, se destacan dos fundamentalmente. La primera “Dirigido Por” que  “publica estudios de la obra de grandes directores alternando los clásicos, los modernos, entrevistas y dossier sobre temáticas determinadas. Y Fotogramas, otra fuente de referencia cinematográfica que ha ido con el paso del tiempo incorporando los nuevos soportes, desde la televisión al video, el DVD e Internet.”

 

El tema del cine, aunque se encuadre en la sección de cultura, apartado desvalorizado en los últimos tiempos, aporta información que interesa a la población y que, por tanto, aporta beneficios económicos a los medios de comunicación que, como he dicho al comienzo de este post, son empresas al fin y al cabo, empresas informativas.

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Bien, ya hemos dejado claro que el cine es una empresa informativa. Un ente que envía información de alguna forma. Bajo muchos canales y a muchos espectadores. Unamos esas tres características a la publicidad. Quedaría así:

Ente informativo + Muchos canales + Muchos espectadores + Publicidad = $$$$$

Uno de los fuertes de la publicidad en el cine es el aparentemente engañoso product placement (también llamado emplazamiento de producto). En esta técnica publicitaria los espectadores pasan a ser posibles consumidores de sus productos. Esta estrategia existe desde hace más de seis décadas, cuando un tal Joan Crawford bebía delante de la cámara un Jack Daniel’s Bourbon Whisky en la película Alma en suplicio de Michael Curtiz.

Dos son las formas de hacer product placement. De un modo activo, cuando los protagonistas consumen directamente el producto en escenas en las que los personajes beben placenteramente o hablan de lo reconfortante de su ingesta. De un modo pasivo la marca se cuela estratégicamente en la escenografía a modo de cartel, valla publicitaria, máquina expendedora, incluidos en la composición del plano. Estos elementos son presentados visualmente siendo percibidos de forma subliminal por parte del espectador, quien los acepta como un elemento de atrezzo que añade verosimilitud al relato. (Cine y publicidad. Francisco Perales Bazo. Ed. Fragua)

No hace falta aludir a películas míticas donde aparecen las marcas de siempre. Seguro que alguno de vosotros recordáis esa escena de vuestra película favorita donde está la botella de Coca-Cola. ¿Sabíais que esta famosa empresa la “fastidió” (por así decirlo) cuando decidió no incluir Coca-Cola en las famosas escenas de Grease? No creyó que este mítico film marcara un antes y un después en la generación del momento. Con el tiempo, intentó arreglarlo incluyendo la botella en aquellas escenas digitalmente cuando se remasterizó la obra para su venta en formato DVD.

El product placement. Otra forma más de conseguir ingresos de una empresa que busca hasta la última triquiñuela para conseguir los máximos beneficios de la nada.

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Hace años cuando el tiempo libre apremiaba nuestras vidas con la posibilidad de rompernos la cabeza y elegir qué debíamos hacer, uno de los planes típicos era bajar al videoclub de la esquina para ver una película recostado en el sofá de casa. Cuando un día decidiste que porqué debías pagar por algo que salía gratis y aun podías hacer en babuchas.

Un minuto de silencio por los caidos Blockbuster

Un minuto de silencio por los caídos Blockbuster

Cuando quisiste, nostálgico, ver una película con algunos años en sus frames decidiste bajar nuevamente a la esquina. Pero el blockuster ya no estaba ahí. Los videoclubs se había convertido en una espacie en extinción. La muerte del videoclub acechaba a los cinéfilos, a los antiguos VHS, al vídeo gigante encima de los televisores. Los niños ya no salían a las calles a jugar con el balón…y le gente dejo su número del videoclub por el del ADSL. Una tradición MÁS que ha fenecido gracias a Internet. Los videoclub desaparecen a pasos agigantados en España y perdiendo su sentido. Con la aparición de los Dvds y las primeras copias piratas se producía en picado una caída sin frenos que obligó al cierre de millones de videoclubs.

En mr. Dígito podemos leer:

“El caso saltó a la palestra el 10 de marzo de 2006 cuando la filial española de la cadena de videoclubs americana Blockbuster anunció la negociación del futuro de su empresa con los empleados. Al parecer en el año 2004 los alquileres de películas generaron unas pérdidas de 5,5 millones de euros, lo que supuso un 65% más que el año anterior, y se preveía que en el 2005 la situación sería mucho peor.

Tan sólo cinco días después de la noticia se hizo público el acuerdo entre Blockbuster Vídeo España y los representantes de sus operarios, por el cual se presentó un Expediente de Regulación de Empleo que afectó a 688 empleados y supuso el cese definitivo de su actividad comercial en nuestro país, excepto en las Islas Canarias. La cadena anunció que cerraría de forma progresiva y durante los próximos meses las 86 tiendas que poseía en la Península. Con este motivo, se inició un proceso de liquidación de productos. Los últimos cierres se produjeron antes del 15 de mayo de 2006.”

¿Pero todo es por la piratería? Evidentemente no, siguen existiendo los videoclub a pesar de ser una especie en peligro de extinción en nuestro país el pasado año, sólo 60.000 de los 132 millones de películas descargadas se efectuaron de forma legal. Quizá el problema esté en las estrategia empresarial para la captación de clientes o en una falta de adaptación a los nuevos tiempos.

Buscando una alternativa viable (humildemente desde labutacaempresarial la hemos encontrado) la única posible es la de que los nuevos videoclub se digitalicen mostrando su disponibilidad en Internet y estén conformados por servidores de descargas que permitan obtener las películas. El precio se reduciría, evitaríamos tener una espacio físico expositor tan grande como el de una tienda, los formatos de Dvd e incluso se reduciría el tiempo desde su proyección en el cine al de las películas. Renovarse o morir.

Antes de terminar quería dejarle un regalito a la SGAE (Sociedad de Autores y Editores) que hace desembolsar a los minoristas propietarios de un negocio de este tipo más de 200 euros cada trimestre en concepto de tasas. Personas que también pagan sus impuestos, y que ven como los beneficios se reducen mientras ellos engrosan sus carteras. Una indecencia con firma de decreto ley. Aviso próxima vídeo encuesta ¿qué te parece el papel de la SGAE?

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En el último post que escribí el miércoles pasado sobre la evolución en todos los sentidos del cine de animación ya lo mencionaba: Walt Disney compraba a Pixar en 2006. Ahora, le voy a dedicar esta entrada a ese acontecimiento, a esa unión entre las dos productoras más conocidas dedicadas al cine de los dibujos animados.

En un principio se unieron para producir conjuntamente una serie de películas (de cine de animación tridimensional). Ocurrió a mediados de la década de los noventa, cuando estas dos productoras formaron una sociedad para producir tres películas que seguro que todos conocemos y, la gran mayoría, las habrán visto. Éstas son: Toy Story, Buscando a Nemo y Los Increíbles.

En enero del 2006 ya habría acabado el contrato que unía a Disney y Pixar. Al terminar estos tres proyectos parecía haber acabado la relación entras las dos productoras por disputas y no llegar a un acuerdo en la repartición de los beneficios entre Steve Jobs, consejero delegado de Pixar y más conocido como el dueño de Apple, y Michael Eisner, el que era presidente de Disney en aquel momento.

Disney cambió de presidente por Robert Iger. El nuevo presidente arregló las relaciones con Pixar y tras varios encuentros con Jobs y Ed Catmull (presidente de Pixar) llegaron a un acuerdo mediante una oferta de compra que consistía en la adquisición de la empresa de animación Pixar por un valor de 7.400 millones de dólares. Además, los accionistas recibieron 2’3 acciones de Walt Disney por cada una de las acciones que tuvieran en Pixar. Esto convertía a Steve Jobs en el mayor accionista de Disney con un 7% de las acciones, valoradas en 3.500 millones de dólares, además de ocupar un puesto de directivo en la nueva empresa formada finalmente en el verano de ese mismo año, en 2006. Los demás cargos quedaron así: Ed Catmull como presidente de la nueva empresa creada entre Disney y Pixar; y Jhon Lasseter, genio de las maravillas de Pixar y vicepresidente de la empresa lo nombraron como Chief Creative Office.

Con esta unión, Disney incluyó en su compañía personas con mucho talento e imaginación para futuros proyectos que hoy vemos su fruto en películas como Cars o la nueva Up, porque para algunos expertos de cine, hace tres años la compañía estaba empezando a decaer.

A continuación una imagen de Steve Jobs, mayor accionista de la compañía y el que fue el dueño de Apple (ya que en la actualidad ha abandonado dicha empresa):

 

steve_jobs

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No nos olvidemos de algo muy importante que no hemos estado mimando lo suficiente: El cine, o más bien, la empresa cinematográfica, posee en su esencia el carácter de empresa informativa. El cine da información. El cine es una forma de transmitir ideas, de expresarse artísticamente. Y para ello, utiliza un soporte o medio de comunicación social: el cine mismo.

El cine es, al fin y al cabo, una empresa informativa. Para J. Tallón, una empresa informativa, satisface la necesidad social de información mediante la actividad de creación, edición y difusión de ideas, hechos y juicios utilizando medios humanos, elementos técnicos y materiales, recursos económicos y relaciones comerciales.

Ahora releed el párrafo anterior pensando en el cine. ¿Encaja verdad? Espero que esto sirva para enderezar un poco el rumbo de nuestro quehacer en este blog.

Aprovecho para dar un saludo (parece que estoy saliendo por la tele o algo) a todos aquellos que nos leen y que se interesan por nuestro blog, inclusive a nuestros compañeros que navegan por los blogs de todos xD.

Gracias

Equipo de La Butaca Empresarial

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Ha pasado mucho tiempo desde que inauguramos labutacaempresarial y todabía no hemos hablado de los orígenes de las productoras de cine…Esto no va bien. Dediquemos una breve entrada a este menester, ¿no les parece? (Conste que no me inveto lo que que aquí aparece. Un señor muy sábio llamado José Luis Sánchez ya lo hizo en Historia del Cine).

Hollywood (donde están los mandaos)

Hollywood (donde están "los mandaos")

El origen de todo lo que hay detrás de las cámaras está en Ford, el constrcutor de coches ¿cómo? Lo que leen. Hace muchos, muchos años (no tantos, porque fue en 1913) un tal Thomas H. Ince, creó unos estudios llamados Inceville. Fue un pionero al aplicar a la empresa cinematográfica el sistema de organización empresarial que puso en la práctica de la industria automovilista Henry Ford, generando lo que se llamo sistema de estudios.

El estudio está encabezado por una “jerarquía brifronte” compuesta por una cabeza directiva que desde Nueva York toma las decisiones de producción, establece presupuestos y organiza la postproducción (distribución y exhibición de la película) – estos son los que manejan el cotarro-. Y por otro lado,  los encargados en Hollywood, encargados de ejecutar las directrices dictadas por la cúpula neoyorkina – es decir, “los mandaos”-. Ellos son los encargados de rodar el film con todo el equipo de producción especializados en las diversas materias del cine (fotografía, dirección artística…) . Lo haran en estudios paralelamente a otros equipos. A poder ser siempre repitiendo la fórmula del éxito (si un actor produce taquilla, ¡desgástalo!). El actor es el capital de la empresa cinematográfico (un tal Zukor llegó a clasificar las películas en A, B y C según el sueldo que recibía el actor y su fama). Por ese motivo, se hacen contratos durante años con actores, prometiéndoles salarios fijos y un porcentaje de las películas que ruede. Vamos, un empleado cualquiera…

Para vender la película hay dos modalidades: Por lotes, es decir, te vendo esta más esta otra (es el mejor modo de colar un bodrio) o la compra a ciegas (muy similar a dejarle la tarjeta de crédito a tu hija.Nunca sabes con que volverá…) que consiste en comprar todo lo que haya hecho la productora, sin tener ni idea de su éxito o rentabilidad. En la actualidad, los estudios han aprendido la lección y tienen su propia red de distribución. O lo que es lo mismo, se aseguran ingresos.

Y así funcionan hasta hoy los estudios de cine.


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¡Cómo han cambiado los dibujos animados de la década de los 80 o los 90 hasta ahora! Todos tenemos esa percepción del cine de dibujos animados, se ha pasado de la princesa del cuento de hadas salvada de la malvada bruja por su príncipe azul a historias con más humor como Shrek.

Pues bien, Disney-Pixar (unidos desde que en 2006 Disney comprara a Pixar, después de que Disney lograra el monopolio de los dibujos animados con célebres películas como “Buscando a Nemo”) nos sorprende una vez más con otra historia de dibujos animados con “Up” con un abuelo de casi ochenta años como protagonista. Que esta película esté en las pantallas ha costado 132 millones de euros y que, como aporta la información sobre la noticia del periódico gratuito ADN, es la misma cantidad que se gastó en producir “Star Trek 2009” incluyendo el sueldo de los actores que protagonizaron dicha película. A pesar de la prometedora película, desde que se saben los detalles de ella las acciones de Disney-Pixar están bajando, quizá por la crisis y el auge de Internet como medio para poder ver las últimas producciones por la red (como ya se ha comentado en post anteriores). Por ello, las previsiones sobre los beneficios obtenidos de la venta en taquilla son un tanto desesperantes.

 

 

 

 

La evolución de los dibujos animados es visible en muchos aspectos. Antes, las producciones eran de peor calidad y todavía no se había avanzado tanto en el nuevo mundo de la tecnología que consigue que los personajes creados por los ordenadores parezcan actores reales. Los temas sobre los que tratarán las producciones también han cambiado. De una bonita historia de amor entre un príncipe y una doncella se ha pasado a animales parlantes que viven todo tipo de aventuras o a superhéroes patosos y con gran humor. Estos cambios en el cine animado han hecho que el público interesado por ver estas películas se amplía, llegando no sólo a los más pequeños sino también a los mayores. Antes, los únicos adultos que se veían en las salas de cine viendo este tipo de películas eran los padres obligados a acompañar a sus hijos, ahora todo ha cambiado. Eso afecta directamente al beneficio económico de las productoras, por supuesto aumentándolo, que es en definitiva lo que siempre persiguen.

Las producciones animadas abren Festivales de Cines como la película de Australia “Mary and Max” en el Festival de Sundance y como lo hará la nueva promesa “Up” en la 62 edición del Festival de Cannes.

 

cenicienta

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Ah ! La crisis ! La palabra más pronunciada del último medio año…

La cita del título corresponde a José Batlle. Él es consejero delegado de Odeon/UCi/CINESA para Europa continental. Creo que CINESA le suena a todo el mundo. Es seguramente la más conocida empresa gestora de cines y proyecciones española. Probablemente será la que dirija el cine al que vais con frecuencia.

Pues bien, según él, la forma de comportarse del cine es anticíclica. Y vosotros diréis: ¿esto que eeees? (también yo cuando lo leí). Pues bien, parece ser que la economía se comporta realizando ciclos. Es decir, la economía un día está arriba, todo va bien y se produce en excedentes y todo el mundo está contento, y otro día está abajo, hay “recesión”, la gente pierde su empleo, se genera stock a mansalva y todo el mundo está cabreado-preocupado por lo que va a pasar. Pues bien, esto ha ocurrido a lo largo de la historia, así que no os asustéis que ésta crisis pasará igual que otras. Si alguien quiere saber más sobre esta crisis (independientemente de su incidencia en el cine) que se pase por el blog de Leopoldo Abadía, que es un crack en esto de explicarla. Lo digo en serio, sin tener ni idea de economía me enteré a la primera. La Crisis Financiera NINJA la llama él. No tiene desperdicio.

Aquí tenéis un video muy ilustrativo sobre la crisis global.

Que el cine según Batlle sea anticíclico quiere decir que si la economía va mal, el cine va bien. Lo dice en la cita del título. Hay crisis y ésta no le afecta al cine. Es más, le favorece. “La gente tiene menos dinero para marcharse de fin de semana y queda la solución de ir al cine” dijo este consejero en una entrevista para el diario económico Expansión el pasado día 21.

Ahí dejo sus declaraciones. Los datos son los datos, pero también es cierto que la técnica de los números es la mejor para hacer parecer una cosa que en realidad puede no ser. No soy miembro del INE ni del CIS para “comprobarlo”. Pero eso es lo que él ha dicho. Como también, sentenció en esa misma entrevista que los cines deben ser subvencionados por ser un sector regulado ¡¿Cuantos sectores regulados existen que no reciben ni un céntimo de la Administración?! Pero en fin, si él lo dice…

Menos mal que es de pensamiento precavido (más vale prevenir que curar… o que invertir en este caso…) y cree que es mejor realizar un estudio riguroso sobre la gente que ve el cine en catalán y la que lo ve en castellano antes de implantar la ley del Govern, que exige que el 50% de las películas se proyecten en catalán.

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A pesar de haber relacionado hasta ahora todos los comentarios sobre cine con la empresa, los beneficios, el éxito… se puede hablar de producciones que no persiguen estos objetivos, se trata del cine independiente. Es difícil dar una definición de este tipo de producciones pues influyen muchos factores para catalogar a una película de independiente. Parece que identificamos los filmes independiente cuando no aparecen actores conocimos, pero realmente no es así. La gran diferencia con el resto del cine es su comercialización, mejor dicho, su no comercialización, la escasez de conocimiento sobre este tipo de producciones excepto las personas que las buscan y saben valorar la calidad de éstas.  Lo que define realmente a una película independiente es la temática de la historia audiovisual, una temática difícil y arriesgada. La producción es barata, los costes suelen rondar los 10 millones de dólares. La forma de filmar también define al cine independiente utilizando el teleobjetivo que permite mostrar al máximo las emociones del personaje. Como se puede comprobar no hay una definición clara y exclusiva de lo que significa cine independiente, no obstante se pueden enumerar diferentes características:

 En primer lugar la situaciones en las que se encuentran los personajes, que como ya he dicho anteriormente son temáticas difíciles y extremas. Cuentan historias que nunca se atreverían a contar los grandes productores de Hollywood como sobre obsesos sexuales o pederastas.

 En cuanto a los actores, no suelen resaltar a uno en concreto siendo el protagonista principal de la película, sino que buscan una homogeneidad entre los distintos personajes. Todos los personajes tienen una historia que contar sin que uno sobresalga y el otro se quede como un rol secundario.

 La diferencia en el presupuesto es abismal. Una producción independiente no llega a los 10 millones de dólares y una película producida en un estudio ronda los 25 millones. Esto no significa que la calidad de este tipo de cine sea peor que el cine comercial, ya que no necesita tanta nueva tecnología al no incluir en sus películas la gran cantidad de efectos especiales que aparecen en las grandes producciones.

 Los escenarios suelen ser interiores, la finalidad de estas películas es llegar a un público amplio, pero selecto, que sepa apreciar lo que esta observando. Son películas progresistas en contra del sistema establecido y que incluyen también una música independiente como banda sonora.

 Un dato curioso sobre Notting Hill, una de las películas más vistas y conocidas mundialmente, es que se dice que en el comienzo de la película se la puede considerar como cine independiente, pero que a medida que va avanzando la historia “pastelosilla” se va convirtiendo en comercial.

 

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El papel del distribuidor en el cine ¿qué papel desempeña esta pieza del engranaje cinematográfico?

A continuación, podeís ver un rápido (y tanto) sondeo por la Facultad de Comunicación sobre la noción de distribuidora que puede tener la gente que tiene una relación estrictamente formal con el cine. No hay que decir que no tiene ningún valor estadístico (donde va a parar…).

Teniendo también al fallecido productor y profesor Antonio Cuevas como referencia, voy a dar una definición de distribución: es la actividad mediadora entre producción y consumo, y hace la función de comerciante intermediario. Primero, recibe las obras por parte del productor (manteniendo una relación parecida al de explotador de una idea e inventor de la misma) y las lleva a los exhibidores, es decir, a las salas de nuestros cines. De esta forma, el distribuidor sitúa la película al alcance del espectador, lista para ser “consumida”.

Para ser más concretos, según la Directiva de 15 de octubre de 1968 de la CEE, “son consideradas como actividades de distribución y de alquiler de films todas las que comportan la disposición de derechos de explotación económica de un film respecto a su difusión comercial en un mercado determinado, y la cesión, con carácter temporal, de los derechos de representación pública a todos los que organizan tales representaciones”.

Vayamos al grano… el distribuidor. Este papel comporta disciplinas tan diversas como la publicidad, el estudio de mercado, la venta, la administración, la gestión… Cuando el distribuidor está inmerso en empresas no muy grandes, éstas están casi siempre marcadas por la personalidad del distribuidor-director. Es éste el que selecciona los films a distribuir, tomando riesgos importantes. La formación, los orígenes, la cultura, etc., así como los éxitos y fracasos cosechados anteriormente, marcan las opciones que este personaje tiene que escoger.

El ejercicio de la distribución, comporta departamentos de publicidad, comercial, programación, contabilidad y almacén, conservación y reparto de copias. Por ello, no todas las distribuidoras tienen el poderío económico para poner todas estas áreas en funcionamiento, por lo que pueden recurrir a servicios externos, a subcontratas.

Por mucho que cambie el cine (que ha cambiado mucho de 20 años para acá), algo siempre será igual: una película sigue un proceso de elaboración, negociación, ejecución y ajuste (éste último en unidades de semana: semana de distribución, de exhibición, de programación, etc.).

Os dejo por aquí el link que os llevará a la web de una de las productoras más importantes, con más de 600 films distribuidos desde 1980. Fue la distribuidora de los éxitos El silencio de los corderos o La vida es bella.

Lauren Films

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La primera proyección de los hermanos Lumière fascinó al mundo. La posibilidad de captar y reproducir imágenes en movimiento ya era un fenómeno artificial digno de bautizarse en el negocio de pagar por ser visitado. Con la conversión a color, las salas volvieron a incorporar un nuevo impulso, el realismo que suponían las nuevas producciones volvió a levantar las taquillas de los viejos cines de los años cincuenta erigiéndolos templos de peregrinación durante el tiempo de ocio, algo queno ocurría desde el crack del 29.

La nueva salvación del cine está en la reconversión de las salas, adaptadas a nuevas producciones filmadas para verse en 3D. Cierto, que el nombre no es novedoso y que las gafas bicolores no son nuevas, los Imax, ya los tienen. Pero en el cine este efecto digital hace que ya no sólo seas público sino integrante de una película.

Lo peor del 3D es la cara que se te queda viendo la película

Lo peor del 3D es la cara que se te queda viendo la película

Las grandes productoras de cine, los directores ya preparan filmes en 3D. Véase el ejemplo de James Cameron, responsable de Titanic, que ya ha finalido Avatar, cuyo estreno está previsto para este mismo año (con un presupuesto entre los 200 y 300 mil dólares, lo dice El País). Renovarse o morir, diría el refranero popular. Pero no es el único, el gran Spielberg, ha dicho que ha partir de 2009 Dreamwords, sus estudios de animación, solo filmarán en 3D. Además coproducirá una trilogía con Peter Jackson (otro taquillero de los buenos) sobre Tintín. “Desde Superman returns hasta la última entrega de Harry Potter han ofrecido también la posibilidad de ver al menos 30 minutos de película en 3D, y el público ha respondido con cines llenos a rebosar, pese a la diferencia en el precio”, comenta El País. Esto quiere decir que desde su uso, los resultados son positivos y por ello se apuesta desde las empresas por ello, a pesar de su elevado precio.

Pero la reconversión de las salas no solo permitirá reproducir en 3D, sino disfrutar de espectáculos en directo (tanto deportivos, como musicales). Imagínense asistiendo a la Ópera de Viena en sus salas, eso ya se está produciendo en númerosos cines de nuestra ciudad, como Nervión Plaza, gracias a la adaptación de las salas CineSur, de Sánchez Ramade. Además las ventajas de este nuevo sistema son innumerables, ya que la calidad de la imagen mejora muchísimo y las copias digitales son mucho más baratas que las celuloides, por lo que a fin de cuentas el cine saldría más económico para las exhibidoras (al menos). Por si alguien lo dudaba, aún el 3D no se puede piratear y lo que es peor no sabemos cuando llegará a nuestras casa vía DVD.

Así que este es el nuevo cine que nos espera.

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En nuestro blog hablamos continuamente de productoras y productores, pero ¿sabe alguien qué papel desempeña el productor en el mundo del séptimo arte? Me aventuro, bibliografía en mano (Economía Cinematográfica. La producción y el comercio de películas, de Antonio Cuevas), a arrojar algo de luz sobre este otro protagonista del cine.

Director y productor dueño de Lucas Arts S.A.

George Lucas, director de cine y claro ejemplo de productor, dueño de Lucas Arts S.A.

Se le confunde habitualmente con el capitalista o con un técnico de producción de alto nivel, pero realmente puede no ser ninguna de las dos cosas, o las dos a la vez. Como bien hemos hablado anteriormente, la producción cinematográfica está gobernada mundialmente por empresas especializadas en esta actividad, asociadas, o no, a otras, a su vez especializadas en el comercio internacional de audiovisuales. Otra cosa es ya el tamaño, las dimensiones y organizaciones, que varían según qué país. Además, no hace falta que se diga que entre las grandes compañias norteamericanas o japonesas y las empresas europeas hay muchisima distancia.

Sin dar más rodeos, vamos al papel de productor: es la persona que plantea, promueve, organiza y hace posible todo el proceso de realización y comercialización de un film, desde que nace la idea hasta alcanzar las copias de explotación y su entrada en los circuitos comerciales. En España también es frecuente encontrarlo con el nombre de “productor ejecutivo”.

No sólo se ocupa de que el film salga adelante, sino también de que se venda dentro y fuera de sus fronteras, de su administración, así como de aspectos técnicos, económicos, fiscales, etc… A efectos empresariales, el productor debe ser un experto en los ciclos industrial, administrativo, técnico económico y comercial de la industria. Es decir, un crack que tiene que saber de todo.

Por tanto, cuando hablamos de productora, no podemos tratarla como tal si al frente de dicha empresa, o componiéndola, no se encuentra este personaje, que es el que realmente debe conocer todos los entresijos de la producción cinematográfica.

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Si una película consigue movilizar al público hacia las salas de cine ya puede considerarse un éxito.  Pero si la película alberga en su haber taquillas millonarias cosechadas dentro de las salas y en el viodeoclub se convierten en un mito.  Lo más interesante es saber qué filmes lo han conseguido, cuándo y por cuál productora fueron realizadas. Por esta regla conseguiremos saber cuál es la productora de mayor relevancia en el panorama mundial, o lo que es lo mismo quién hace el mejor cine. Claves para hacer una buena película.

Él también cogía en el tablón de madera

Él también cogía en el tablón de madera

Primero hemos de decir que las películas más vistas de la historia son por orden: Titanic, El señor de los anillos: el retorno del Rey, Los Piratas del Caribe 3,  Harry Potter y la piedra filosofal, El Señor de los anillos: Las dos torres, La guerra de las galaxias. Episodio I: La amenaza fantasma, Jurassic Park, Shrek 2, Harry Potter y el Cáliz de Fuego, Harry Potter y la Cámara Secreta, El Señor de los anillos: la comunidad del anillo, Buscando a Nemo, La guerra de las galaxias: Episodio III La venganza de los Sith, Spiderman, El Día de la Independencia, La guerra de las galaxias. Episodio IV: Una nueva esperanza, ET y Harry Potter y el prisionero de Azkaban. Lección 1: Las películas mejor en Hollywood, en inglés y con varias partes. Sino es mucho pedir que estén basadas en libros. Lección 2: La ficción vende, las tragedias también, pero sea como sea alguien debe morir al final, es ley de cine. Lección 3: Los nombres largos para las películas son mejores, le dan interés. Lección 4: Los actores famosos y guapos, jóvenes para atraer a las fans quiceañeras. ¿Alguna de las anteriores películas está protagonizada por Mr. Bean? No. Advierto que este último requisito requiere de algo fundamental: DINERO.

Lo de la época está claro, el impulso procurado por las nuevas tecnologías es indudable. ¿La conclusión? Evidente, los efectos especiales venden mucho. Todas las películas mencionadas anteriormente gozan de la mano eterna del ordenador y de los efectos de recreados digitalmente.   Así que lección 5: Los efectos especiales son básicos. Y contra más espectaculares mejor. Nadie dirá que el hundimiento del Titanic no costó su esfuerzo o que los monstruitos del Señor de los anillos son extras. Pero eso sí cuestan dinero o tener un primo muy, muy feo.

Vayamos al grano,  las productoras esas pequeñas fábricas de hacer dinero por un tubo. Titanic tuvo que ser hecha por 20th Century y Paramount. El señor de los anillos (las tres partes) se prometieron con Warner, Harry Potter se la reparten Warner y más Warner en sus cinco películas (la sexta está rodándose; están previstas dos películas más para el último libro), Spiderman es de Sony (como El Castigador, Patrulla X o Hulk) y La guerra de las galaxias de 20th. Lección 6: Si quieres adaptación de libros vete a Warner, mejor si es con trilogías, si quieres una historia de superhéroes Sony te la compra fijo, y si es tragedión o ficción futurista 20th no escatima.

Lección básica: Hay que tener mucho dinero para hacer una película, como en España no tenemos dinero, las películas que se hacen son malas y como ahora estamos en crisis y nadie tiene dinero todas las películas son un bodrio. Por eso Leonardo Di Caprio no se salva en Titanic, el presupuesto no les daba para un tablón de madera más grande. Aunque creo, es más estoy segura, que si la abuela se hubiera arrejuntado un poco, cogerían los dos, ¡egoísta!

Conclusión: Bájatelas de Internet, es lo único barato.

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El paso del teatro al cine tuvo que soportar grandes adaptaciones, sobre todo en cuanto a la sociedad acostumbrada a un tipo de representación. Para algunos autores estas adaptaciones del teatro para que se pudiera rodar y se convirtiera en una película influyó negativamente al teatro. En cuanto a las interpretaciones de los actores era diferente, los escenarios y los temas que trataban. En general, se identifica al teatro como una forma de denuncia y al pasar al cine esta denuncia social se cambió por el dinero. Lo importante para los productores ya no era luchar para poder cambiar lo que encontraban mal en la sociedad, sino buscar ante todo el beneficio económico.

 El espacio, el escenario es uno de los aspectos fundamentales y más demostrativos de cómo ha evolucionado el mundo de la interpretación. De tener sólo un escenario para la representación de una obra a poder mostrar diferentes zonas según convenga la historia que se quiera representar con el cine, y más adelante, gracias a los avances tecnológicos, se puede crear virtualmente cualquier escena que se quiera. La inversión para la investigación de nuevos avances tecnológicos para la adaptación del teatro al cine ha dado su fruto gracias a los grandes beneficios que se obtienen del cine y que antes era inconcebible. Además se ser uno de los elementos más representativos del cambio, el espacio y los avances tecnológicos también nos lleva a reflexionar sobre la originalidad y la imaginación desarrollada por los dramaturgos escasea hoy en los cinematógrafos.

 En la actualidad parece ser que el teatro está resurgiendo, aunque no se pueda comparar con el público que tiene el cine, pero el teatro está volviendo a tener la importancia que se merece, la importancia que a principios del siglo XX perdió cuando se inició el film d´art (como se denominaron la primeras obras teatrales que se adaptaron al cine). Los actores dedicados al teatro no tienen ese reconocimiento social que los que se dedican al cine. Las compañías teatrales son las protagonistas en el mundo del teatro como La fura dels baus, de Cataluña y caracterizada por lo atrevidos que son los actores que la componen, la buena interpretación y el compromiso social.

 Para destacar estas características del teatro, el cine creó la película Noviembre. Es una obra que muestra el teatro en el cine. A continuación el trailer de la película recomendada.

 

 

 Para terminar y como conclusión de esta evolución de las representaciones cito textualmente un párrafo de la biblioteca virtual Miguel de Cervantes: “La respuestas de los artistas, empresarios y público a las transformaciones materiales, económicas y sociales operadas en las décadas anteriores y posteriores al cambio de siglo abren el camino futuro por el que va a transitar el drama. En este sentido, podemos decir que la continuidad entre teatro y cine es similar a la que existe entre cine y televisión o la que existió entre ceremonia ritual y teatro. Y esta continuidad, que no identidad, entre el teatro y el cine ha hecho del drama, tal y como lo entendía Aristóteles, un producto de serie, empaquetable y exportable desde la moderna Atenas, Hollywood, al último rincón del mundo.”

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De lideres va la cosa. Si ante fue Productoras VS. Televisión, ahora es Españolas VS. Extranjeras. Teniendo como referente la fecha de calificación (que otorga el Estado para su proyección) voy a hacer una comparación numérica entre los largometrajes españoles y los largometrajes extranjeros con mayor número de espectadores desde su estreno.

El primer puesto:

  • Desde España: Los Otros (2001), esa fantástica obra que lanzó a Amenábar al éxito, con 6.410.561 espectadores.
  • Desde el extranjero: Como no, la archiconocida Titanic (1998), de James Cameron, con 10.841.85 espectadores.

El segundo puesto:

  • Desde España: La mítica La muerte tenía un precio (1966, en coproducción con Italia y Alemania), protagonizada por Clint Eastwood y dirigida por Sergio Leone, con 5.520.971 espectadores.
  • Desde el extranjero: E.T. El Extraterrestre (1982), dirigida por Steven Spielberg y presente en la memoria de todos los ochenteros, con 7.718.059 espectadores.

El tercer puesto:

  • Desde España: Torrente 2: Misión en Marbella (2001). Sí amigos sí, por si no lo sabíais, la obra de Santiago Segura se convirtió en un taquillazo de principios de milenio y lleva 5.321.969 espectadores.
  • Desde el extranjero: La histórica Doctor Zhivago (1977), de David Lean, con 7.257.409 espectadores.
(Datos extraídos del Ministerio de Cultura)

Después de contestar a la pregunta del título, coincide la película que creíais más vista con la que el Ministerio dice que esl. Estoy seguro de que acertasteis con Titanic, pero seguro que os sorprendísteis con Torrente 2. En fin, dejo para otro post la recaudación de tan sonadas obras.

Permitidme deleitaros con una “breve sinopsis” humorística a cargo de Paco León sobre E.T., para que recordeís y os riais a la vez…

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¿Saben que es lo curioso de todo esto del cine? Todas las películas tienen su primera proyección programada en las salas de los Festivales, y son premiadas en los propios festivales. Los directores son aplaudidos en Cannes, San Sebastián, Rótterdam, Locarno, el Iberoamericano de Huelva, Málaga o Gijón... Películas que no encuentran lugar entre las salas de cine comercial e intentan llegar a ellas mediante el concurso de los festivales, mediante los estrenos locales. Lo que demuestra la afirmación de que el cuello de la botella del cine iberoamericano está en la distribución.

El nuevo circo de Cannes ya en la ciudad

El Circo de Cannes

Otros, sin embargo, como la argentina María Victoria Menis esperan que películas como La cámara oculta lleguen algún día a visionarse en España. La crítica de su país alaba su cine. Una película que cuenta la obsesión de los argentinos por la belleza, tanta que en las discotecas se regalan operaciones de cirugía, que en las fiestas de 15 se regalan operaciones de pecho. Una apreciación de lo feo desde el otro lado del charco.

No quiero decir con el esto que la proliferación cuantitativa de los festivales cinematográficos sean siempre positivos. Yo me quedo con Rubén Lardín, crítico de Cinemanía, los festivales son la excusa fílmica perfecta para que la rémora política pasee de largo por una alfombra. Los festivales no son las películas es el encuentro de profesionales del cine, que debaten acerca de la calidad en frames y se quedan fuera de las salas parloteando de nuevas tendencias. Pero eso sí, de cara al público son grandes escaparates de lo que se puede encontrar en las salas. Vamos un engaño vestido de oferta y engalanado de pomposidad, con grandes sumas de dinero escondidas bajo el telón.

El pobre de San Sebastián, según El País, ya ha dado la voz de alarma trastocado por el casi medio millón de euros que costaron (cada una) las dos últimas ediciones. El gobierno de Donosti ha decido cerrar el grifo, ¡que estamos en época de crisis señores! Y le corta el suministro aportando para la próxima edición un 10% (910.000 euros…Quien los quisiera). Mientras el Palau de les Arts de Valencia le metía a Bond en el bolsillo 100.000 euros para que estrenara en tierras del Mediterráneo su película Y eso que comparado con Venecia (7, 5 millones), Berlín (17) y Cannes (20) San Sebastián sigue siendo el cuarto festival más importante de Europa…Los italianos culpan de la anorexia de su cine a la multiplicación de festivales (lo decía el viernes 14 de noviembre El País) Me pregunto cuánto costarán los Oscar o los Globos de Oro.

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A menudo surgen debates sobre si son mejores las producciones americanas o las españolas. En realidad siempre suelen ganar las americanas, incluso entre la sociedad española, preferimos defender lo extranjero a lo nacional en cuestión de cine y realmente no entiendo esa preferencia en la mayoría de los casos. Desde luego que habrá gran cantidad de películas americanas que superen en todos los aspectos a producciones españolas, pero no se debe generalizar y evitar ver una película nacional simplemente por prejuicios. A las películas españolas se les caracteriza por una serie de calificativos que nosotros mismos, los españoles, se los hemos impuesto.

 

El primer calificativo está relacionado con el sexo, generalizamos y agrupamos todas las películas españolas bajo esta denominación: se basan en mostrar a los actores desnudos, en el morbo. Por otro lado, también se piensa que en el cine español el lenguaje utilizado es grosero, lleno de palabrotas en todos los guiones. Otros aspectos relacionados con el cine de nuestro país son los vicios, la drogadicción. Y así hasta los numerosos calificativos que podemos escuchar de las películas producidas por Almodóvar o Amenábar. ¿No es en realidad el cine español más real que el americano?, a pesar de la sensación española de que en las producciones siempre aparezca alguno de estos aspectos, que no siempre es así, por la defensa de nuestro cine nacional se puede decir que muestra la vida real, lo que ocurre a diario y no, un hombre con superpoderes que salvará la ciudad de Nueva York del gran monstruo.

 

Además, se utiliza un escenario real, la península es elegida también por los productores estadounidenses para rodar sus películas, como ocurrió con la gran película “El Señor de los Anillos” que utilizó Barcelona para grabar algunas de sus escenas.

 

La defensa del cine americano en detrimento de la vergüenza del cine español por algunos españoles hace que la diferencia en los ingresos sea notable y que, como bien comenta el periódico digital de economía y finanzas El blog salmón, estas cifras deberían llevar a la reflexión de los responsables de este negocio en España:

 

  • Frente a una bajada del 14,4 en las entradas vendidas por las películas extranjeras, el cine español ha tenido un 46% menos de espectadores.
  • El 92% de las entradas venidas corresponden a filmes extranjeros.
  • El país con más cuota de espectadores es EEUU, pero España no es ni siquiera la segunda. Las películas británicas ocupan la segunda posición.
  • No hay una sola película española entre las 25 con más recaudación.
  • El 73% de los espectadores prefiere las películas norteamericanas.

A continuación, una gráfica, realizada por la Universidad de Córdoba mediante una encuesta, muestra las preferencias de los españoles:

 

 

 

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Como bien decía Lucía en su anterior post, por ley y desde hace diez años, las televisiones privadas españolas están obligadas a colaborar con la financiación de obras cinematográficas europeas invirtiendo un 5% de sus ingresos (destinando un 3% para las películas en lengua originaria española). Y pensar que antaño productoras y televisiones eran socias y no había que obligarlas a nada…

Desarrollando un poco más la información dada por mi compañera en Productoras VS. Televisión y basándome en el informe sobre el cumplimiento de los operadores de televisión (publicado el pasado noviembre por el Ministerio de Industria, Turismo y Comercio), me gustaría añadir que en el ejercicio del año 2007, todas las operadoras de televisión españolas han cumplido con la obligación de financiación antes mencionada. Es más, han presentado excedentes en todos los casos, llegando a alcanzar los 8.099.503 € (casi un 50% más respecto del año anterior).

FINANCIACIÓN TOTAL (5%) APORTADA POR LOS OPERADORES DE TELEVISIÓN

FINANCIACIÓN TOTAL (5%) APORTADA POR LOS OPERADORES DE TELEVISIÓN

FINANCIACIÓN TOTAL (3%) APORTADA POR LOS OPERADORES DE TELEVISIÓN

FINANCIACIÓN TOTAL (3%) APORTADA POR LOS OPERADORES DE TELEVISIÓN

Todas las cadenas han invertido en cine español más de lo que estaban obligados. Son TVE y Telecinco las que despuntan con casi 13 millones de euros de excedente. Termino diciendo que, según el gobierno, la financiación computada fue de más de 124 millones de euros, 37 millones más de los exigidos y aumentando la inversión en un 18,8%.

Todos estos datos pueden sufrir grandes modificaciones si finalmente se enmienda la ley de cine y se incluye a las series en la financiación.

Como siempre, el movimiento de dinero de un sitio a otro modifica nuestras vidas, y sobre todo, lo que llega a nuestras salas, que es lo que nos importa en labutacaempresarial.

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Parodia de High School Musical 3. Pincha sobre la imagen para ver el cartel orginal

Parodia de High School Musical 3. Pincha sobre la imagen para ver el cartel orginal

En todos los sectores hay una guerra. El mundo detrás de las pantallas no es menos, lo dice El País y ya están en esa fase en la que los insultos ridículos del tipo “pedigüeño” son lo más que se tienen que decir.

Todos sabemos que desde hace diez años las televisiones privadas deben colaborar (económicamente) en la producción de películas (Antena 3 producía Mentiras y Gordas o Fuga de Cerebros) con un 5% de sus ingresos.  Pero las televisiones se resignan, de forma lógica por otro lado (es una pérdida de dinero en la mayoría de los casos), a realizar este tipo de donaciones al cine europeo, hecho que les ha valido el durísimo calificativo de “pedigüeños” (en tono irónico, claro). La teles quieren que ese tanto por ciento se pueda invertir en las series que ellos mismo hacen (total los ve más gente que las películas y son igual o peores).

Rescato el párrafo literal, que no tiene desperdicio

“La preocupación, o más bien la indignación, por parte de la FAPAE (Federación de Asociaciones de Productores Audiovisuales de España) y su presidente, Pedro Pérez, fue evidente y clara. Pérez calificó de incoherente al Partido Popular, -“ahora pretenden desmontar el sistema de inversiones de las televisiones puesto en marcha por ellos mismos”-, aunque, a renglón seguido, mostró su confianza en que la cordura impere en el Gobierno de Rodríguez Zapatero , que no se deje arrastrar por esta incoherencia y se impida así el desastre y la “salvajada” que supondría, en su opinión, para la industria cinematográfica española”.

Que la FAPAE pida, que siga, total no estamos en crisis, qué va hombre, época de bonanza para desperdicir en las pantallas. Por otro lado, muy duras declaraciones.

Para solucionarlo desde labutacaempresarial, proponemos la pacificación y la unión de ambas fuerzas, como hacen los Simpsons, grandes gurús de la televisión, hagamos televisión burlándonos del cine, que para eso lo pagan.

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¿Habéis visto el Gabinete del Doctor Caligari? Pues bien, es una de las películas mudas mejores producidas. Un film de terror que consigue, sin sonido, que el público se introduzca plenamente en la historia narrada.

 

 

 

 

Aunque relacionemos el cine mudo con la ausencia de sonido esta afirmación no es del todo cierta, pues aunque los personajes no hablaran y los escasos diálogos se introducían mediante un pequeño texto entre las escenas, si contaban con intérpretes musicales que acompañaban a la obra como una especie de banda sonora en términos actuales. Los productores de finales del siglo XIX y principios del XX se dieron cuenta de la importancia de estos acompañamientos musicales para la obtención de beneficios económicos. De ahí, que cada vez se preocuparan más por buscar a intérpretes musicales de mayor prestigio para sus producciones. Muchos de los músicos de la época se ganaban la vida gracias al trabajo que producía el cine mudo. Pues sí, el sonido también es una fuente de ingresos de dinero para los productores, tanto en el cine sonoro como en el mudo. Por ello, se fueron sucediendo una serie de inventos para mejorar la técnica. Unas máquinas especiales para darle sonido incidental (ruido) al cine mudo, aunque este fenómeno se daba sólo en las grandes salas que se encontraban en las ciudades. “Se fabricaron una variedad de instrumentos especiales para efectos sonoros que ambientaban el cine mudo, hubo innumerables experimentos con máquinas reproductoras de sonido que siguieran la imagen. Los más exitosos fueron los aparatos que servían para sincronizar un disco con la imagen. El primero de estos sistemas que tuvo una eficacia media fue el Cameráfono, otros aparatos similares fueron el Viváfono, el Electrógrafo, el Foneidógrafo, el Imagenófono, el Fonoscopio, el Cronófono Gaumont, el Cinéfono Británico y muchos otros”. A pesar de la gran cantidad de aparatos que surgieron en esta época, el que revolucionó la industria del cine mudo fue el invento por Tomás A. Edison en 1913, el malogrado Kinetófon, que permitía que el sistema pudiera reproducir la voz del hombre, pero sin acompañamiento musical sincronizado. Los altavoces se encontraban cerca al proyector o la pantalla. El problema de este invento se encontraba en la desincronización del sonido y la imagen, que una vez que ocurriera estropeaba la obra y el descontento del público aumentaba.

 

En nuestros días es indispensable una película son sonido, sin que los personajes hablen y vaya sucediendo el drama de la obra en boca de ellos. Así, el producir una película y que los espectadores la entiendan es mucho más fácil y no tienen que explotar otros elementos para su comprensión. En el cine mudo la interpretación de los actores es fundamental, la expresividad de las caras es su mayor arma. Sin querer menospreciar a los actores actuales, al disfrutar visionando el Gabinete del Doctor Caligari se puede observar la pureza y dificultad en sus representaciones.

 

En la cantidad de premios que se dan en los certámenes de cine, está muy bien considerada la técnica con la que se utiliza un sonido, dejando a un lado la parte creativa. Aún así, el sonido sigue siendo otro de los ingresos importantes cuando se produce un film, pues la comercialización con las bandas sonoras de las películas sigue a la orden del día.

 

 

 

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Deberías, porque es el futuro del cine en casa. ¿Que quién lo ha dicho así? Las productoras, como siempre.

(Para el que todavía no lo sepa o quiera saber más que mire en la archiconocida “Enciclopedia Social”. Si no os apetece, sólo os digo que es un disco con la apariencia de los DVD convencionales, pero que a diferencia de éste, que sólo almacena 4.7 Gb, posee muchísima más calidad de video y una mayor capacidad de almacenamiento, 25 Gb)

Durante los tres últimos años dos formatos HD (High Definition – Alta Definición) han estado luchando por quedarse. De un lado del ring, Blu-ray, con Sony como principal fabricante. Del otro lado, HD DVD, creado en solitario por Toshiba. Como ocurre siempre en el mundo de la tecnología, el que está dispuesto a usarla, el que finalmente la compra, es el que decide cual se queda y cual no. Como siempre el que tiene el capital tiene el poder. Años de investigaciones técnicas pueden irse a la basura en el momento en el que la 20th Century Fox, Metro Goldwyn Mayer o la Walt Disney-Pixar se pronuncian.

En este caso, la cosa ha estado entre siete productoras y más tarde, entre otros tantos distribuidores. Las ya mencionadas 20th Century Fox, Metro Goldwyn Mayer y Walt Disney-Pixar se decantaron desde el primer momento por el Blu-ray Disc, del grupo de fabricantes compuesto por Sony, Philips, Panasonic y Pioneer. Toshiba tenía el apoyo de (más…)

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En primer lugar me gustaría lanzar una pregunta. Con ella clasifico a las personas en dos tipos, las que contestan que sí y tienen infancia, y las que contestan negativamente y por tanto no la tienen:

¿Quién no ha visto en su vida un capítulo de Dragon Ball Z (más conocido como Goku)?


Evidentemente exagero cuando digo que pienso que los que no han visto alguna vez Dragon Ball Z no tienen infancia. Pero sí creo que somos una generación diferente los que pertenecemos a ese grupo de niñ@s que, mientras desayunaban, veían cómo unos humanoides de ojos grandes y cuerpos irreales se peleaban por conseguir unas bolas de cristal.

Nostalgias aparte, el motivo de tanta parafernalia es el reciente estreno de la “adaptación” al cine de la susodicha serie de dibujos animados, Dragon Ball Evolution. ¿Que por qué pongo “adaptación” entre comillas? Sólo tienes que forear un rato para darte cuenta de los sentimientos de desilusión despertados en los antiguos seguidores de la serie. Imagínate si le preguntas a alguna persona que conozcas y que haya ido a verla…

“Es una película para niños”. “La historia no tiene nada que ver”. Son las frases que más se oyen a las puertas de las salas donde se está proyectando el filme, que contrastan con las caras de los niños cuyos ojos se abren tanto como los de Son Gohan o Bulma en su versión animada mientras exclaman: “¿¡has visto qué paliza le daba Piccolo al malo…!?”. Los niños ya no se fijan en lo que se fijaban… me refiero a la emoción por conseguir salvar la tierra, o al ímpetu por ser el mejor claro está.

Este es otro ejemplo más de cómo las ansias lucrativas de las productoras y de todos los grandes magnates, sobre todo hollywoodienses, acaban por los suelos, pues una mala adaptación, además de acabar con los seguidores del producto original, no atrae a nuevos espectadores.

Mundialmente, esta “joya” lleva recaudado unos 42 millones de euros, y  en su primer fin de semana en EE.UU. se hizo solamente con 4,7 millones de dólares, lo que puede ser mucho si no lo comparas con, por ejemplo, La Brújula Dorada, que obtuvo nada más y nada menos que 25,8 millones.

Como de costumbre, los números hablan por sí solos y el dinero mueve el mundo, así que, señores rellenadores-de-la-cartelera-con-basura, vayan esmerándose un poquito.

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“Un filme se sitúa en el punto de equilibrio en que no gana ni pierde cuando su taquilla alcanza dos veces su coste”

Barney Balaban, Presidente de la Paramount

El cine es una de las actividades de ocio más populares, y tradicionales, de nuestros tiempos. Es todo un negocio que mueve sumas incalculables por el mundo, la mayoría con destino Hollywood.

Con el tiempo, el cine ha ido subiendo de precio. No son tan remotos aquellos tiempos en los que llenábamos nuestras salas por el módico precio de 500 de las antiguas pesetas (que al cálculo actual son tres euros).  Ahora, visitar un cine sevillano cualquiera no pasa de los 7 euros mínimo. ¿Porque esta subida? ¿Dónde va el dinero que nos gastamos en ver un película? ¿Se meten el dinero en los bolsillos los actores o son las arcas de las productoras y distribuidoras las que hacen caja? (más…)

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